Cuenta atrás para el Sonorama 2015. Entrevista a Javier Vielba, líder de Arizona Baby

Ya está todo preparado en Aranda de Duero, Burgos, para una nueva edición de uno de los más importantes festivales de la música indie y la escena independiente de este verano. El Sonorama Ribera arranca el próximo 12 de Agosto, miércoles, con más de cien actuaciones en su cartel. El público podrá entregarse a la música de la mano de artistas nacionales de amplio recorrido como Sidonie o Vetusta Morla, como a su vez de bandas emergentes como Ángel Stanich y su folk ácido o Biznaga con su punk febril.

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Con motivo de la cita musical por antonomasia de este verano, he recuperado una entrevista que hice hace dos o tres años a uno de los artistas cabezas de cartel: Javier Vielba, de Arizona Baby. Yo acababa de empezar la carrera de Periodismo y no tenía mucha idea de cómo hacer entrevistas. Simplemente, guiado por la ambición y la ilusión de poder contactar con el líder de la banda moderna más importante de Valladolid, redacté unas cuantas preguntas y Javier, muy gustosamente, me las respondió. Una entrevista en profundidad en la que nos detuvimos a repasar su trayectoria y su particular forma de ver el mundo de la música. Años después, fuimos conociéndonos más a través de las noches de micrófono abierto que organiza en el bar Borsalino de la capital vallisoletana. Id calentando motores, que nos vemos todos este año por Aranda!

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#1  Blood on the tracks: Confesiones de un músico.

EZ: ¿Cuál fue tu primer contacto con la música y a qué edad? ¿Aquel disco que te marcó, esa sensación de saber que querías hacer música?

JV: Elvis Presley. Como con 10 años o así empecé a escuchar una vieja cinta grabada que tenía mi hermano mayor. Al año siguiente echaron en la 2 de TVE un ciclo de películas de Elvis. Eso acabó de rematar el flechazo.

EZ: ¿Cómo aprendiste música?

JV: De forma autodidacta, aunque los primeros acordes me los enseñaron unos amigos de mi edad, en la época del instituto con los que solía quedar a tocar después de clase.

EZ: ¿Cuántos instrumentos sabes tocar y cuántos tienes?

Sin ser virtuoso de nada (nunca lo he buscado), soy capaz de expresarme y tocar con cierta solvencia varios instrumentos. Aparte de cantar y tocar la guitarra, también le doy al bajo, batería/percusiones, piano/órgano, armónica, melódica, ukelele… me apaño casi con cualquier cosa… excepto metales e instrumentos de cuerda con arco, me falta base para ésos.

EZ: ¿Cuáles son tus grupos de siempre favoritos, en castellano e internacional?

JV: Muchos…y cambian constantemente. Cuando empecé a tocar me fijaba mucho en Nirvana, que tenían mucho éxito en aquella época (primeros noventa). Sus canciones eran sencillas y sonaban muy bien. A nivel nacional siempre me gustaron Gabinete Caligari, un grupo que siempre re-descubro periódicamente, a pesar de ser muy poco populares entre la crítica y público actual. Un grupo francamente infravalorado y malinterpretado.

EZ: ¿A qué edad entraste a formar parte en un conjunto musical? Cuéntanos brevemente cómo fue.

JV: El primer grupo lo monté con amigos del instituto… como en 1995. Tenía 16 años. Se llamaba Tico Feo y evolucionamos, siempre en activo, hasta 1999 aproximadamente. A los 17-18 entré en otro grupo que compaginé con Tico Feo llamado Nägana. Ese grupo duró hasta el 2000 y tuvo cierta repercusión gracias a un EP de 4 temas que sacamos en casete.

EZ: ¿Cómo se formó Arizona Baby?

JV:  Fue algo natural. Empecé a tocar con guitarra española y, tras unos ocho años de tocar sólo eléctricas decidí volver al acústico. Mis compañeros de Arizona Baby andaban también con ganas de hacer algo puro y sencillo, a partir de ahí todo fluyó con naturalidad. Corría 2003 y el formato acústico garantizaba poder tocar en directo en Valladolid…una ciudad siempre muy poco permisiva con sus manifestaciones artísticas alternativas.

EZ: En muchos de los conciertos y puestas en escena a la hora de comunicarte con el público usas figuras literarias a modo de versos y otorgas al concierto un aire poético y divertido que va acompañado de tu aspecto de predicador romántico (si me permites la comparación), ¿no escribes nada artístico (poemas, relatos, historias) fuera de ser acompañado por música?

JV: Muchas veces mis canciones empiezan por la letra, ya sea en inglés o castellano…con lo que se podría decir que escribo mis poemillas…que acaban en canción. He escrito algunos relatos cortos de ficción que sólo han leído mis amigos más allegados…aún tengo que mejorar. También he escrito mucho en fanzines y webs musicales, en un tono más divulgativo. Y bueno, he sido profesor de instituto durante 4 años, con lo que supongo que ahí habré ganado tablas para hablar en público.

EZ: ¿Nos puedes decir qué enfoque usas para crear tu música propia (inspiración, influencias…) o alguna manía o método de composición?

JV: Utilizo todo tipo de trucos y métodos. Desde la improvisación al puro azar… La verdad es que no tengo una metodología concreta y recurrente… Cada canción me sale de una manera. Me quedo con lo que dice Neil Young: “las canciones son animales salvajes… hay que saber dónde encontrarlos y esperar pacientemente si es que los quieres atrapar”.

 

#2 Dentro de la música: el artista y su obra.

EZ: Cuando escuché por primera vez tu voz, en el primer disco que sacasteis Arizona Baby, Songs to sing along (2005), noté el carácter psicodélico y de blues antiguo que poseía tu voz. Te puede parecer una mala comparación, pero la primera vez que escuché tú voz,  me recordó a David Gahan, de Depeche Mode. Es una impresión muy rara, porque el estilo es totalmente opuesto, Depeche es la electrónica pura y el vuestro, el género acústico. Sin embargo, se nota de verdad ese toque psicodélico que creo que siempre queréis imprimir en vuestras canciones, como hacéis ver en la información de vuestro myspace. Mi pregunta en realidad era, ¿de dónde sacaste esa voz, quiénes fueron tus inmediatas influencias para usar la voz de esa manera? Cualquiera piensa inmediatamente que tu voz viene sin duda del folk americano, pero supongo que uno puede escoger su forma de cantar y registro vocal, pero si no escucha su voz para sí mismo nunca cantará bien. Mi pregunta definitiva es, ¿qué paleta de voces usaste para pintar el cuadro general de melodía vocal en Arizona?

JV: Como cantante solista me fijé mucho en mis comienzos en dos cantantes de texturas bastante distintas: Mark Lanegan (Screaming Trees) y Shannon Hoon (Blind Melon). Me he fijado en muchos más, por supuesto…pero para resumir son dos buenos referentes. De Mark Lanegan me influyó su rango vocal grave, deudor de gente como Jim Morrison o Leonard Cohen… amén de muchos bluesmen y cantantes de country clásico como Johnny Cash. De Shannon Hoon me fijé en su rango vocal agudo… más dedudor de un Robert Plant y otros cantantes de hard rock con tintes de folk en incluso soul. Si me fijé en ellos es porque estaban en el candelero cuando yo era un chaval y escuchaba mucho sus trabajos… tiré del hilo y fueron saliendo a flote las influencias de éstos… es cuestión de ir atrás en el tiempo y ver quién ha influido a quien te influye. Otro cantante importante para mí siempre ha sido Chris Isaak, que entronca con el rock and roll de Elvis, el lirismo de Roy Orbison y el maravilloso pop de Buddy Holly.

EZ: He oído una versión en directo de una espectacular canción de Neil Young, Everybody Knows This Is Nowhere, y me parece de sobresaliente su adaptación. ¿Cómo decidisteis hacer una versión de una canción tan grande del genio Young? Me parece muy interesante esta versión porque el timbre de voz de Young no se parece en nada al tuyo y tú lo llevas a tu terreno de una forma interesantísima y prodigiosa.

JV: Tampoco creo que mi registro sea tan lejano al de Neil Young. Reconozco a Young como influencia importante y te aseguro que he aprendido mucho de su música y talento. Puede que por timbre parezca que suene muy distinta, pero no tuve que hacer mucho trabajo de adaptación. Simplemente me dejé llevar por la canción. Dadas las influencias de Coronas y Arizona Baby, era un punto de encuentro casi obligado…había que hacer algo del viejo Neil.

EZ: Os comparan mucho con los maestros Johny Cash, Creedence Clearwater Revival o el gran cantante de blues antiguo y leyenda Leadbelly, pasando por la psicodelia ácida y suave de grupos como the Doors o Love. ¿Qué veis de todos ellos en vosotros?

JV: Firmo cada una de las influencias que citas. Si tuviese que definir Arizona Baby a través de otros grupos o artistas, citaría exactamente los que has nombrado e incluiría a America, otro grupo clave en el sonido de la banda.

EZ: Si pudieras mandar desde aquí un saludo a todos aquellos artistas que te han servido para aprender musicalmente y como persona y hombre ¿qué les dirías?

JV: ¡GRACIAS! (Con piel de gallina y lágrimas en los ojos).

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#3. La tierra de los castillos: cuestiones de raíces.

EZ: Siempre estás para aquí y para allá y aún así se nota que no olvidas de dónde vienes y casualmente cualquier fin de semana se te puede encontrar por bares de Valladolid y también ayudando y dando apoyo a bandas locales de la ciudad, aspecto que es muy agradecido por parte de las bandas. ¿Cómo ves la música vallisoletana actualmente, sin aspiraciones, solo a nivel de calidad?

JV: En calidad musical, creo que la escena vallisoletana atraviesa su mejor momento desde los años ochenta. En los noventa y la década pasada hubo mucha calidad, pero no había un ambiente de escena, una sensación de hermandad y camaradería tan grande como la que hay ahora o pudo haber a principios/mediados de los 80 en la ciudad. La unión hace la fuerza, y con la variedad y nivelazo que hay en Valladolid vamos camino de hacer mucho ruido en esta década que acabamos de estrenar, al menos a  nivel nacional.

EZ: ¿Crees que tendrán futuro alguna de ellas?

JV: Sin duda. Estoy convencido de que seguirán saliendo grupos de gran relevancia nacional e incluso internacional de Valladolid. De hecho creo que no falta mucho para que dos o tres bandas asalten el medio nacional a lo grande, al menos dentro de la escena independiente.

EZ: ¿Algún consejo para las bandas locales de Valladolid y los músicos que ahora mismo no son nada o quieren dar el salto?

JV: Que se diviertan. Que no discutan por chorradas. Que dejen los egos en casa cuando salgan a tocar. Que sean generosos. Que tengan paciencia. Perseverar, esa es la clave. Y para aguantar mucho tiempo con mucha intensidad hace falta divertirse y llevarse bien con los compañeros y con uno mismo. Y las expectativas, el futuro… mejor no pensarlo. Hay que exprimir el presente, tirar con lo que haya.

EZ: ¿Cómo veis que los grupos que están formándose o los ya formados vean en vosotros una influencia? Conoces a los Cellar Birds, y sus integrantes. Una vez que fueron entrevistados en un programa de la cadena de televisión local de Valladolid y les preguntaron qué músicos vallisoletanos tomaban de ejemplo y os nombraron a vosotros.  ¿Qué os produce esta admiración por su parte hacia vosotros?

JV: Es todo un orgullo. Además son buenísimos, nos encantan. Nos llevamos muy bien con ellos y les deseamos mucha suerte.

EZ: Os titularon como mejor banda de rock de Castilla y León, ¿cómo sentó ese logro entre los integrantes de la banda? A lo mejor en ese tiempo no eráis tan importantes en el ambiente en el que nacisteis, Castilla y León y Valladolid, y pocos artistas conocidos han salido de estas nuestras tierras. Entonces ese logro os debió de alucinar. En el caso en el que no lo consideraseis como uno de vuestros mayores logros, ¿cuál sin duda fue el minuto, el segundo, en definitiva, el momento en el que os disteis cuenta de que estabais despegando a buen rumbo en la escena musical? Muchas bandas se preguntan si algún día ese momento llegará, es un instante que se anhela, que desea todo artista, ¿cuándo y cómo os disteis cuenta de ello? ¿En qué momento?

JV: Como grupo nos consolidamos mucho tocando mucho en Londres y en una mini-gira que hicimos en Grecia en 2005. Eso nos unió, nos hizo creer mucho en el grupo y en nuestras canciones. Eso nos dio fuerza para volver a España con la cabeza bien alta y sin complejos de ningún tipo, con una seguridad aplastante. Fue entonces cuando en 2006 empezamos a telonear a grupos en Madrid (mucha gente no se creía que fuésemos pucelanos) y al año siguiente salimos elegidos como mejor grupo de CyL en Norterrock. Eso fue como una corroboración de que lo que hacíamos podía funcionar también en casa. Nos hizo profetas en nuestra tierra. Al año siguiente, 2008, grabamos ‘Second to None’ y dimos el salto a nivel nacional ya en 2009. Ese “momento” por el que me preguntas, en nuestro caso duró casi cinco años. Las cosas no suceden de un día para otro, es un proceso largo, lento y duro.

EZ: Woody Allen decía que “los premios son el consuelo de los tontos”, y por ello casi nunca acude a una entrega de premios hacia su nombre. ¿Qué piensas en cuanto al reconocimiento del trabajo, los premios, los elogios, ser el ganador?

JV: Está muy bien, pero es cierto que resulta un poco incómodo… Llega alguien y te dice que eres genial y… ¿tú qué contestas? No sabes qué decir… normalmente le quitas hierro al asunto o simplemente das las gracias… Como decía un famoso locutor deportivo: “el halago debilita”. Por eso no le doy mucha importancia y sigo a lo mío. Cuando acabo un concierto o un disco ya estoy pensando en el siguiente… no se puede dormir uno en los laureles.

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#4. Ghost Riders in the Sky: progreso de la obra.

EZ: ¿Qué os llevó a trabajar con los Coronas y cómo os conocisteis?

JV: Yo he sido fan de Coronas y Sex Museum (grupo con el que comparten batería, bajo y guitarra Los Coronas) desde los 15 años. Además, Fernando Pardo es un erudito del rock y un grandísimo comunicador con las ideas muy claras. Para mi siempre ha sido un gurú del underground rockero nacional. Fruto de esta admiración, les llegué a entrevistar en varias ocasiones a lo largo de los años para distintos fanzines y revistas y les he ido entregando religiosamente todas mis grabaciones de mis distintos grupos desde 1998. Arizona Baby empezamos a coincidir en festivales con Los Coronas hasta que un día decidimos hacer un concierto juntos en Madrid, a finales de 2009. Un año más tarde comenzábamos la gira “Dos Bandas y un Destino”.

EZ: Los Coronas y Arizona hacéis una versión espectacular del I Fought the Law del grupo inglés The Clash y me sorprende mucho esa fusión de punk inglés con la música tradicional más americana y las trompetas de los Coronas a modo de canción surf. Me pareció espectacular.

JV: Gracias, es una gran canción. Aunque la hicieron famosa The Clash en 1979, la canción la escribió Sonny Curtis (de The Crickets, la banda de Buddy Holly) y la grabaron The Bobby Fuller Four en 1966.

EZ: También me encantó en ese mismo concierto la versión del Wish you were here de Pink Floyd… ¿cómo tratáis la transformación de clásicos a versión, es decir, cómo conseguís llevar a vuestro terreno canciones emblemáticas y además ponerle trompetas y poner cada instrumento en su sitio? Supongo que con la técnica, pero dentro de las versiones hay algo aparte, hay algo de inspiración.

JV: Exacto, es cuestión de inspiración…de enfoque. Se te ocurre el arreglo antes de pensar en tocar la canción… no coges una canción y te pones a buscar el arreglo… Se puede decir que la canción te busca a ti, no al revés.

EZ: En la colaboración con los Coronas sois un montón en la banda. ¿No surgen conflictos entre vosotros? Al ser tantos, necesitareis un local de ensayo grande con un muy buen equipo de sonido para mezclar los instrumentos, a la hora de ensayar tenéis que coincidir y seguro que entre vosotros tenéis visiones diferentes de los temas que tocáis. ¿O existe una relación cordial y de puro entendimiento por todos los miembros?

JV: La clave está en que nunca ensayamos. Sólo hicimos tres ensayos en el local de Sex Museum/Coronas en Madrid antes de la gira Dos bandas y un Destino. Como eran versiones, cada músico llevó aprendidas partes y pensados arreglos… y lo pusimos en común. A partir de ahí, siempre hemos ensayado en las pruebas de sonido previas a los conciertos, incluso sacando canciones nuevas en las mismas. Para eso hace falta ser músicos bastante solventes, tener claro el enfoque y estar dispuesto a trabajar en equipo.

#5. We are the Sultans of Swing: el artista habla de los artistas.

EZ: El estado de marco global de la música actual en el mundo está siendo muy pobre. La gente ya no escucha música. La oye, no la escucha. ¿Qué ves de cierto en todo esto?

JV: Estoy de acuerdo. La radio musical en España, salvo dos honrosas excepciones, está en estado de coma. Y los nuevos dispositivos que hay para escuchar música (mp3, móviles, ordenadores…) hacen que se escuche la música en muy mala calidad… es imposible que emocione lo mismo una canción reproducida en un móvil que en un vinilo con un buen equipo de sonido. Son experiencias totalmente distintas, como jugar al fútbol y jugar al futbolín. Hace tiempo que la música se entiende como ocio y no como arte, algo aterrador si queremos ser una sociedad realmente civilizada y avanzada. En el caso de España es aún peor que en USA o el resto de Europa… Dan escalofríos.

EZ: Siguiendo en el tema de la pregunta anterior, vosotros sois uno de los pocos grupos que quedan que reivindican la pasión, el arrojo, la fuerza, el coraje que se veía antes en un músico y que ahora se lo ha comido la publicidad, el mamoneo y lo comercial. Es por ello que vuestra labor en el mercado musical es importante. ¿Cómo ha sido, es o será vuestra forma de luchar contra todo eso que desvirtúa la música? Vosotros venís de un sello independiente.

JV: Sí, y la credibilidad para nosotros es muy importante. Siempre haremos las mejores canciones posibles y nos dejaremos los huevos en el escenario. Eso sí, nuestra credibilidad personal, de puertas para adentro, también incluye no sucumbir a las demandas de los cuatro fans talibanes ultra-radicales que ya te llaman vendido a la primera de cambio por salir en un medio de comunicación. Que cada palo aguante su vela, no nos vamos a echar a la espalda los compromisos de nadie, salvo los nuestros propios. Y te digo desde aquí que un músico, por muy comprometido que sea, también tiene que comer. Mi música, mis reglas.

EZ: ¿Qué grupos actuales nacionales e internacionales que llenan o no estadios te parecen destacables, recomendables e interesantes?

JV: Nacional: Pony Bravo. Internacional: The Black Keys. Prefiero ir al grano, que si no esta respuesta sería interminable…

EZ: Muchas veces creo que el verdadero músico o artista es una persona bebiendo en un bar. Creo que el bar, la calle, la ciudad, forman sin querer parte total o parcial de lo que quieres decir en una canción o en un poema. Es por lo que creo que en realidad el éxito no importa en sí. Más merece emborracharte en un bar y tocar para cincuenta personas y que esas cincuenta personas conecten contigo, sepan qué quieres decir, desnudarte delante de ellos en una obra de arte, a tocar delante de un estadio en el cual a lo mejor tres personas consiguen saber de qué va el show que estás presentando. Como en la canción Sultans of Swing del grupo Dire Straits. Esta es una canción que define para mí a la perfección el objetivo del artista y músico: ser bueno con lo tuyo y ser feliz con lo que haces, ganes o no ganes mucho dinero, siendo un alma pobre de un bar a otro que va encandilando corazones, el mítico trovador presentado por el genio Dylan, alguien que no tiene nada que perder porque nunca tuvo nada, como dice la canción Like a Rolling Stone. Después de toda esta parrafada, quería preguntarte, qué visión tienes de un músico o artista, como tú, como cualquiera, y si coincides en mi visión o no.

JV: Coincido en tu visión romántica del asunto al 100%… cualquier músico coincidiría,  yo creo. Al menos sobre el papel. Lo difícil de esa visión es llegar a fin de mes en la vida real. No hay peor castigo para el que se siente artista que tener que hacer trabajos “normales” 8 horas al día, 5-6 días a la semana. Es muy frustrante, pero si no tienes nada, hoy en día es muy difícil dedicarse sólo a la música, aunque sea malviviendo. Generalmente ya no es que no ganes suficiente dinero, es que vas a tener que pagar… Al principio, un proyecto musical supone gastos y nada más que gastos: instrumentos y su mantenimiento, alquiler de local de ensayo, transporte de equipo a los conciertos, posibilidad de que haya que pagar por la sala si quieres tocar, más el equipo de voces y su técnico de sonido, la cartelería… De hecho, al menos en España, los que se dedican sólo a la música desde el principio es porque sus padres están forrados y se pueden permitir pagar por tocar y no tener que currar en otra cosa para vivir. Al resto nos ha tocado currar en otras cosas, lo que significa llegar cansado a los ensayos e ir luego al curro sin dormir tras los conciertos. Por eso me quedo con un público lo suficientemente grande como para poder comer y pagar mis facturas sin tener que hacer otra cosa que no sea música. Luego siempre hay tiempo para tocar por placer, de borrachera, en el bar de un amigo… Ahora tengo la suerte de tener un hobby a tiempo completo, mi  meta desde la adolescencia. Y mi objetivo diario es que esto dure, poder seguir dedicándome a esto. Cuando se habla de vivir de la música ya no se trata de dinero ni de fama… se trata de poder dejar de hacer las otras cosas que no te gustan. Termino con Dylan, que dijo: “el dinero no da la felicidad, pero calma los nervios”.

#6. Off the record

EZ: ¿Cómo fue tu primer concierto? Siempre dicen que el primer concierto es una cagada, ¿cómo te sentiste cuando te subiste por primera vez a un escenario?

JV: Mi primer concierto salió muy bien, fue todo un éxito para nosotros porque era en mi instituto, en las fiestas, y estaba lleno de gente, habría 200 o 300 personas. Fue con Nägana, con los que tocaba guitarra solista y hacía coros. Estaban todos mis amigos en el público y lo pasamos genial. La gente hacía mosh y stage-diving, nos sentimos como un grupo de verdad. Nos animó mucho a seguir dando conciertos. Estaba un poco nervioso al principio, pero a la tercera canción ya estaba metido en la música, en una nube.

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Tres poemas

Laura del Castillo

MUNDO INFECTADO POR PLAGAS BUSCA PLAN DE FINANCIACIÓN PARA GASTAR EN INSECTICIDAS Y ASÍ VOLVER A CREER EN EL SER HUMANO

 

It´s another year for me and you

Another year with nothing to do.

Iggy Pop.

el otro día en una fiesta alguien dijo

“vamos a pillar un poco más” y un tipo bajito

se levantó de un sofá situado al final del pasillo y dijo

“podéis venir a mi casa, ahora no hay nadie y me iba a echar uno”

y yo y dos personas más asentimos

fuimos con él

pensé en la idea de un hogar

y en cómo la idea de “hogar” podría joderte la cabeza

y también pensé en el suicidio pero no recuerdo muy bien por qué

nos hizo pasar y nos tendió una birra

vino su perro a saludarnos

era un pastor alemán de raza catalana

lo recuerdo porque el tipo repitió “pirineos” unas cinco veces

salimos al jardín

la noche estaba tranquila, no se oía ni un murmullo

nos contó que la semana pasada 

un chico de dieciséis años había aparecido muerto en medio de su calle

después nos enseñó un bolso precioso bordado en cuero con una flor de lis en el medio

sacó un enorme cogollo de yerba

dije “está muy seco” y mis amigos se acercaron para liar una buena trompeta

el tipo dijo señalando al jardín “ahí”

y luego dijo “lleva ahí un año”

y estuvimos contándole anécdotas del verano pasado

de cuando fuimos al barrio rojo de ámsterdam

y de nuestras experiencias con los psicotrópicos

fue a abrir la nevera

sacó un chorizo

dijo que no era de aquí y luego repitió “pirineos” una vez más

entendí que el chorizo era francés

puso pan de molde a tostar y nos lo ofreció con el chorizo

tenía una vieja telecaster con la madera desgastada

nos dijo que llevaba mucho tiempo sin tocar

solo tuve que enchufarla al amplificador

para empezar a flipar al instante

un vecino llamó a la puerta pero no le abrimos

toqué iggy pop

el tipo dijo “hay gente que vive la música al 90% y la mitad de los que afirman eso escuchan música rápida”

“la mayoría de la gente que vive la música al 90% suele gustarles el heavy”

yo dije que iggy pop no era heavy

“si supiera cómo se vive la música al 90% no escucharía heavy”, contesté

“¿alguien pone proporciones al modo de vivir la vida?” preguntó

yo le conté que hace poco leí un poema de megan boyle que hablaba sobre eso

él se rió cuando lo leí

sacó una pedalera y lucas hizo shoegaze durante una hora más o menos

el volumen de la guitarra era tan alto que sentía reverberar las vísceras de mi cuerpo

en medio del clímax de feedback y distorsión el tipo dijo que “eso era vivir la música al 90%”

cuando empezaba a amanecer el tipo iba bastante colocado

tiró unos colchones en el suelo y estuvimos durmiendo todo el día siguiente

cuando desperté pensé en irme a casa

el perro catalán me ladró

le dije “qué pasa, bonito” y le acaricié la cabeza

el tipo se levantó y dio los buenos días

desayunamos cruasán con una taza de café

hablamos de política y de feminismo

luego nos preguntó que si se podía pedir a una chica correrse en su cara sin que sonara machista

uno de nosotros dijo “no, si lo haces con cariño”

otro dijo “no, si los dos estáis borrachos”

en la televisión pública ponían una película de guerra

en telecinco había un programa para septuagenarios

en antena 3 había anuncios

nos fuimos y le dimos las gracias

el tipo sonrió.

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https://lucasgalanf.wordpress.com/

lucasgalanf.wordpress.com

AITOR SALIENDO DEL CENTRO COMERCIAL CON SEIS LATAS DE CERVEZA

 

y si te fijas

todavía

quedan

un montón de fiestas

un montón de borracheras juntos

así que

sigue adelante

y luego dime

si conservas

limpios

los zapatos

y si el despertador suena

cada vez que estás solo

avisándote

de que no te queda más compañía

que ayude

a encadenar resacas y a olvidar

hasta que todo esto se acabe

y parezca otro soplo del verano

que avisa

un soplo violento

que advierte

que hay que tomarse en serio

las cosas.

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TOMATE CHERRY

 

A Lauri

“te cortaré en pedazos sin

sentirme culpable”

tus dedos pintan líneas de acuarela en mi espalda

escuchamos ruido hasta que tiemblan

las paredes “voy a comerte después

con salsa ketchup”

y mientras hacemos el amor el aire es

como si también temblara

en la televisión hablan de ovnis y vemos películas

románticas antes de ir a dormir

atendemos a la leyenda del espacio

que los planetas susurran cuando

los libros se caen por la ventana

“tienes carne de amplificador”

el mundo occidental es como un tomate

y yo quiero entrar en cada una de las fábricas

mientras me das la mano y una luz de la planta de arriba

nos saluda y dice

no hay perdón no hay perdón ni el mismo segundo para los dos

“buenas noches”

“bienvenida a esta, la primavera sombría”

madrid es la ensalada y tú eres el tomate cherry

que siempre muerdo cuando no tengo hambre

y a pesar del dinero y del incierto porvenir

siempre podemos ir a nuestra tienda de helados favorita

y pasear sin ganas

porque la voluntad de ser en ti me ha impactado en el pecho

he venido esta tarde hacia ti y me has rescatado

y solo

 

 

rezo

para que no te vayas.

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Una reseña de “La muerte del Hombre Orquesta”

Hace unos meses, Marina Salazar, recién graduada en Filología y compañera de clase en E.S.O y Bachillerato, redactó una reseña sobre mi libro de poemas “La muerte del Hombre Orquesta”, y a mí me gustó demasiado.

Marina Salazar

Marina Salazar

Un día, me levanté, abrí la red social y me vino un mensaje suyo: “Enrique, ¿dónde se puede adquirir tu libro? Tengo que hacer un trabajillo para clase y me gustaría probar con esto. El trabajo consiste en hacer una reseña de un libro actual que si sale bien puede publicarse en la revista subverso del departamento de literatura. Y lejos de ir a los autores consagrados he pensado en un viejo amigo que además es de <<la casa>> jaja”.

Y a mí, naturalmente, me ilusionó muchísimo el proyecto y le respondí que adelante. Marina y yo compartimos clases de Literatura Universal en el instituto y a los dos nos apasiona mucho la literatura desde que fuimos adolescentes. Tanto es así que ella tiró por Filología Hispánica, la carrera adecuada si lo que te gusta es leer y escribir, y yo me quedé en Periodismo. 

Y bueno, esta entrada es para que leáis dicha reseña, una reseña emocionada y pasional, que con mucho cariño reproduzco aquí. Gracias, Marina

La muerte del hombre Orquesta, Enrique Zamorano Rodríguez  

“El hombre orquesta” es como un infante que anima mientras vive, cuya muerte es una alegoría del paso de la infancia a la juventud. Cuando eres niño caminas mientras haces sonar los platillos de la ilusión y el bombo de la esperanza. Ese infante muere tras unos años y llega a la juventud donde se encuentra el tedio y un futuro incierto, y una situación social que no es precisamente un camino de música, sino que es la senda del silencio y de los imperativos, y recurre a las drogas y el sexo que son los analgésicos alternativos al Lorazepam.    

Yo siempre le dije que se dedicara a la filología, pero no me hizo caso. Al final se decantó por el periodismo, quizá porque los filólogos somos demasiado académicos e insoportables a veces. A pesar de ello,  la literatura siempre ha estado presente en su vida. El libro que le acompaña siempre es Las flores del mal de Baudelaire y el poeta Leopoldo María Panero, ambos son su brújula en la travesía. Con un toque estético entre Calamaro y Bunbury forma parte de un grupo de poetas “jovencísimos” todos de principios de la década de los 90, que se pueden leer en www.perrosdelluvia.wordpress.com .  

Enrique Zamorano es un poeta de veintiún años que vive en Valladolid y estudia Periodismo. Su poemario La Muerte del hombre orquesta es la primera recopilación de sus poemas más jóvenes.   

A sus 16 años ya ganó su primer concurso local de poesía organizado por la que será su futura casa, la Facultad de Filosofía y Letras de Valladolid. También ganó el I Concurso Relatos Martín Garzo de carácter nacional por su obra An American Night. Fue finalista del premio nacional de relatos Camilo José Cela organizado por la Universidad Complutense de Madrid. Sus poemas han aparecido en la revista Palpitatio Lauri. Además es editor y director del colectivo literario Raindogs.  

Es interesante porque en su blog enriquezamorano.com habla sobre su obra, La muerte del hombre orquesta, y lo oferta “para leerlo y adquirirlo”. Sobre todo leerlo. Y eso es algo que le honra, ya que lanzo una pregunta ¿Qué pretenden los nuevos autores tan jovencísimos, que les lean o que les compren? Basta con introducir en Google “La muerte del hombre orquesta pdf para poder leer el libro.  

El poemario consta de un conjunto de 27 poemas muy juveniles. Creo que es importante este tono puesto que es lo fundamental de la obra y un verdadero logro del yo poético. Son poemas que, aparentemente no tienen mayor trascendencia, pero cuando terminas de leerlo te das cuenta de que has sido un macarra durante unos versos. El yo poético está presente incluso cuando habla de la Bolsa de Madrid. Por eso veo en este poeta una proyección poética, porque en su momento de madurez puede alcanzar altas cumbres. No son frases desordenadas que escribe con los pantalones caídos; no es un desdén a la métrica mientras masca chicle con mucho ruido. Tampoco es una sucesión de temas mientras fuma marihuana. Es el espíritu joven hecho poesía.  

La obra está dividida en dos partes, Permanece angustiadoLas invasiones. A lo largo del poemario se ve a un joven hastiado de la sociedad y del modelo de vida que tiene el siglo XXI. El propio Enrique Zamorano dice en el prólogo:  

“Por otra parte, he hecho lo que me ha dado la gana. Editando yo mismo este libro de poemas me he sentido una auténtica libertad. He pensado algo así como “estoy harto de la vida, del mercado, de las aspiraciones”. En este país llamado España, la cultura y el arte cada vez es un oficio con más curvas, en vez de un camino recto y sencillo. No ya por nuestro gobierno, que día a día se empeña en servir a la población sus propios productos intelectuales y de pensamiento y, por ende, censurar y apartar, mediante su programa económico (subvenciones a la cultura) o su educación (cambios constantes de las leyes educativas) todas aquellas aspiraciones individuales de pensamiento y formas artísticas.”  

Coincido en  una inmensa parte con el. No me gusta reseñar “autores Planeta”, porque Planeta ya los reseña mucho mejor. Si vas a la mina explotada nadie se sorprenderá de que encontraste oro. Y es en ese apartado joven y reciente de la mina, donde nadie mira porque no se encontrará nada de valor es donde fui a buscar y donde me encontré La muerte del hombre orquesta. Un Enrique Zamorano que antes de aprender a andar ya corría en el mundo de la literatura. Un poeta que lejos de pasar por el aro de la poesía que más se vende en España prefiere dar su toque de realidad, aunque no sea ni popular ni populista. La savia nueva de la literatura lejos de convencionalismos sociales y de grandes editoriales que, en el caso de que triunfe de aquí a unos años, ya se acordarán de él. Por lo pronto publica en una colección 1000 books by 1000 poets cuya editorial publica a poetas jóvenes para poder darlos a conocer.   

El divino tesoro de la juventud está en sus versos y, seguramente, cuando sea un periodista de un importante medio de televisión no pueda escribir un poemario igual, o si lo escribiera seguramente lo guardaría en un cajón o lo mostraría en tertulias literarias no académicas.   

Con un poemario y una novela que está escribiendo no podemos tener constancia de la carrera literaria de un autor, pero si podemos pronosticar, para bien o para mal su futuro. Creo que el hecho de ir en paralelo y a su ritmo frente a lo que espera la gente de un poeta marca la diferencia, y eso, en época de globalización literaria, es un punto a favor en su desarrollo.   

Con esta reseña no pretendo que acudan en masa críticos literarios para comprar el libro y hacer a mi muy estimado Enrique de oro, sino que hago un llamamiento a la comunidad crítica y a la literaria, y a la crítica literaria para que con un leve clic se descarguen su obra y la lean, con gafas de intelectual en un escritorio de roble o en el autobús, pero que lo lean, puesto que estamos ante un hallazgo de mucho jugo. 

 

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LOVE IN VEINS 2015

Estas fotos pertenecen al concierto que dimos Love In Veins en el Día de la Música de Valladolid. Fue una noche y un día genial, nos reservaron un sitio en la céntrica Plaza de Coca y nosotros cumplimos y armamos un poco de jaleo. Hacía dos años y medio que no tocábamos en un escenario en Valladolid y fue impresionante volver a sentir a Susana (bajo), Oliver (voz) y Alex (batería) tocando todos juntos y, sobre todo, recibir a Fabián en la banda como flamante guitarrista y amigo. 

Estas son las fotos que Laura del Castillo, a quien quiero y admiro mucho, hizo durante todo el concierto. Love In Veins agradecemos mucho el apoyo recibido. También existen más fotos y reportajes del evento, Chusmi10, mítico fotógrafo de la escena musical vallisoletana, nos dedicó un post con las fotos que realizó. Muchas gracias a todos de parte de toda la banda. 

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Fotos: Laura del Castillo

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Pupilas

Foto: Laura del Castillo

Foto: Laura del Castillo

ATLANTIS TO INTERZONE

Volveré a llorar

volveré a querer tirar la

guitarra           por el balcón

volveré a contar en la oscuridad una a una

todas mis tragedias     y solo los muertos escucharán mi rezo

volveré a construir edificios de silencio

ruinas de devastación

infiernos de agonía

volveré a los cines y a las lágrimas inmortales

volveré al café, a los cigarrillos y

a las cenas en soledad

volveré a asomarme a los tejados

volveré a romper mis

huesos             contra el asfalto

volveré a estar ciego, solo y derrumbado

volveré a los gritos de la ciudad

abriéndose      como un abanico de luces de ámbar girando alrededor

volveré a tu lengua subiendo por mi espina dorsal

volveré al sitio de mi recreo

tan triste como siempre

tan apagado como siempre

tan muerto como siempre

 

así será y así lo hemos aprendido

de generación en generación

durante el resto de mil años

 

así clave la nada sus colmillos

en mis pupilas

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“Madre”, de Raymond Carver

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MADRE

de Raymond Carver

 

 

Mi madre llama para felicitarme las pascuas.

Y para decirme que si continúa nevando

piensa matarse. Quiero decir que

esta mañana no soy yo mismo, por favor

dame un respiro. Tengo que pedir ayuda a un psiquiatra

otra vez. El que siempre hace las preguntas

adecuadas. ¿Pero, qué siento de verdad?

En vez de eso, le cuento a ella que nuestras claraboyas

tienen goteras. Mientras hablo, la nieve se

funde en el sofá. Digo que estuve en el médico

así que no necesita preocuparse más

de que tenga cáncer, y que se le termine

la fuente del dinero.

Luego me informa de que va a dejar este maldito sitio.

Como sea. La única vez que quiere verlo,

o volverme a ver, es desde su ataúd.

De repente, pregunto si recuerda aquella vez en que padre

estaba borracho como una cuba y le cortó el rabo

            al cachorro.

Seguí con esto un rato, hablando de

aquellos días. Ella escucha, esperando su turno.

Sigue nevando. Nieva y nieva

cuando cuelgo el teléfono. Los árboles y los tejados

están cubiertos de nieve. ¿Cómo puedo hablar de esto?

¿Cómo voy a poder explicar lo que siento?

“Madre”, de Raymond Carver en Bajo una luz marina Ed. Visor (1990). Tradución de Mariano Antolín Rato

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Francisco Umbral y el Real Madrid

Bueno, y aprovechando el partido de ayer, en el que todos los madridistas nos fuimos cabizbajos, sin un triste título en toda la temporada y, por otro lado, entre mi lectura de Mis placeres y mis días de Francisco Umbral, os he querido transcribir uno de los 144 artículos que componen la obra. Habla del Real Madrid. Es el año 1994. Todavía no había llegado ni la 9º Copa de Europa. La Copa de Zidane y del Bayern Leverkusen. Todavía no. Era, por entonces, el Madrid de Sanchís, de Michael Laudrup, de Quique Sánchez Flores o de unos jovencísimos debutantes Raúl González Blanco o Santiago Cañizares.

Habría que ir a ejemplares de la época de El Mundo, ya que este es un conjunto de artículos “literarios” que Umbral escribió a lo largo de todo el año 94 en la columna titulada “Los placeres y los días”. Mi Trabajo de Fin de Grado va sobre este compendio de artículos. Y precisamente el artículo que he transcrito a continuación habla del Real Madrid. En el 4 de febrero de 1994. Yo tenía un año. Paco Umbral y el Real Madrid. Y nada más. Que, a pesar de todo lo que diga Umbral y de la triste derrota de ayer, hala madrid. 

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Lo del Madrid

“Lo del Real Madrid no me parece a mí que sea cosa de tácticas y de técnicas, ni siquiera cosa de dinero, con serlo tanto, sino asunto meramente político y social, o sea que el Barsa o el Bilbao metaforizan una comunidad, la suya, son confaloneros de algo, de alguien, de muchos, y el Madrid, en cambio, ya no representa nada ni a nadie, se ha quedado sin ideología, que es como cuando Rubén Darío se quedaba sin rima, pero seguía versificando. 

El Madrid sigue por inercia, pero le falta el motor del cambio, que es una incardinación política, y le falta la levadura y el espesor de una representación social, epocal, que ya no tiene. El fútbol no es nada más que pesetas y patadas, y por hay que meterle algo dentro, como se lo metieron los franquistas: nada menos que una conspiración política, un patriarca sentencioso y una Nomenklatura que era algo así como el ala liberal de la dictadura. 

El Madrid, entonces, era España, la metáfora joven y violenta de una España impresentable, que el Madrid adecentaba por el mundo. El Madrid era la orla macho de un dictador, una orla en la que entraban Gento y Di Stéfano. El Madrid era la Pinta, la Niña y la Santa María en calzoncillos. El Madrid de hoy, el Madrid de Mendoza, no representa más que a Mendoza, se ha puesto coqueto de boutiques, tiendas de regalos y otras mariconadas, ha dejado de ser un club de caballeros para ser una casa de masajes y una floristería.

Un equipo necesita ideas cuando sale a jugar como Kant las necesitaba cuando se ponía a escribir. El hueco metafísico que hoy tiene el Madrid por dentro es el que tiene la ciudad, el Gobierno, el momento que vivimos. Esta ciudad se ha quedado sin proyecto sugestivo de vida en común, y por tanto sin equipo, sin Gabinete, sin moral. No hay nada en el aire, ilusión, proyecto o aventura que pueda metalizarse en el Madrid, cristalizar, darle al equipo osatura moral o histórica. El Madrid se ha quedado en una fábrica de goles que ya no produce goles. 

Al Madrid lo vemos por televisión, que es un medio frío, sin chupar frío o calor en el estadio, y su juego adolece de esa ausencia, de ese silencio, de ese distanciamiento, vanamente contrarrestado por Ultrasur. El Bernabéu ya no huele a colonia política y sudor de clase media. El otro día estuve en la presentación de la revista Gigantes del Superbasketque es una cosa de basket (que ya no sé lo que es), y había muchos chicos y chicas altísimos, o sea los jugadores. Había, sobre todo, un clima entre docente y beligerante. Se trata, claro, de un deporte joven, didáctico, no demasiado comercial, que todavía tiene recientes todos los ideales de juventud y toda la musculatura del futuro. El baloncesto, o lo que sea, lleva, trae algo dentro. El fútbol, en cambio, está viejo, prostituido, camastrón, renqueante, pesetero y putón. Cuando la reciente huelga se vio que los futbolistas no sabían de qué iba la cosa, porque ellos son millonarios. Lo que le falta al Madrid no es preparador, sino una mística. 

El deporte es siempre la metáfora de otra cosa. Al fútbol hay que meterle dentro nacionalismo, democracia, imperialismo, fundamentalismo, y entonces los chicos juegan mejor y tiran más a gol. El Barsa tiene dentro a Vázquez Montalbán y el Bilbao tiene dentro etarras, carlistas y grandes patriotas vascos. Lo mismo pasará, supongo, con el Valencia o el Betis, con el Coruña. Pero el Madrid es hoy un juguete roto que se ha quedado sin muelle porque la ciudad, el Gobierno, el Parlamento, las nuevas y viejas generaciones, también andamos por Alcalá y Pontejos con el muelle fuera. Ya no hay Real Madrid porque no hay un Madrid real.

“Lo del Madrid” en Mis placeres y mis días, Francisco Umbral. Artículo publicado en El Mundo el 4 de febrero de 1994 (Espasa Calpe, 1994, Madrid)

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